Il cavaliere inesistente - Italo Calvino

 La scissione dell'io e il tramonto degli ideali: l'enqueste dell'uomo moderno nell'epos senza epica de "Il cavaliere inesistente" di Italo Calvino.

Italo Calvino - Il Cavaliere inesistente - (1959)

illustrato da Federico Maggioni

Oscar junior, Edizioni Mondadori  illustrato da Federico Maggioni

Scritto e pubblicato nel 1959 al culmine di una crisi personale e ideologica dello scrittore e nel bel mezzo degli anni del boom economico italiano, il nostro cavaliere che chiude la "Trilogia degli antenati" formata da "Il visconte dimezzato" e "Il barone rampante", disegna un amaro ritratto dell'uomo contemporaneo (dal Novecento ad oggi è sempre attuale) nella forma della favola cavalleresca leggera e ironica, così fedelmente illustrata dalle figurine smilze e quasi incorporee dell'illustratore Federico Maggioni. L'uomo di Calvino, animale politico per eccellenza, ora avanza nel mondo alla cieca, risucchiato da crudeli ideologie che hanno perso il contatto con la realtà e l'umanità, oppure guidato come una marionetta da meccanismi burocratici o, al contrario, vissuto da un informe materialismo che fa dell'istinto l'unica forza fino alla dissoluzione dell'identità. Chi è oggi l'uomo, chi siamo noi? 

Il romanzo nasce in un momento particolarmente critico per lo scrittore che aveva fatto della letteratura uno strumento di militanza: nel 1957, con una lettera di dimissioni aveva detto addio al PCI, come segno di rifiuto delle prese di posizione di partito relative ai fatti di Ungheria e successivamente alla divulgazione del Rapporto Kruscev sui crimini di Stalin; la mancata presa di posizione di Togliatti contro l'Urss e il generale allineamento del partito su posizioni filorusse lo indussero a rifiutare la tessera e proclamarsi un intellettuale di sinistra, sì, ma libero da condizionamenti esterni. 

La letteratura come voce critica dell'uomo è il vero vessillo dello scrittore che guarda al mondo contemporaneo con realismo che, però, non abbraccia il disincanto ma veste i panni della favola cavalleresca ambientata nel campo di Carlo Magno, impegnato con il suo esercito nella guerra contro i Mori, con l'esito di disegnare un viaggio in un mondo in cui l'assurdo viene evinto in tutta la sua valenza significante.

Come ci ha insegnato nelle "Lezioni americane", l'unica chiave per raccontare e forse modificare questo mondo è la leggerezza, quella disposizione d'animo e di stile che ci porta a volare alto sulle cose, guardandole con distacco ironico e consapevole. Il suo sorriso guarda all'ironia di Ariosto piuttosto che ai tragici accenti degli esistenzialisti francesi e svela i meccanismi inceppati del mondo degli uomini attraverso fatti e parole di figurine di carta in un mondo in cui la guerra è un affare da ministero dei duelli e dei conti (l'omicidio di un parente è vendicato da un duello o da più omicidi), le razioni di cibo date e avanzate vanno contate ogni giorno, così come va fatto per le armi e tutto ciò che gira intorno agli "uffici" di Carlo Magno e dove quindi la matematica della guerra sostituisce ogni strategia o lungimiranza di pensiero, cedendo il passo solo alla brutale casualità degli scontri violenti in campo.

I personaggi

Chi è il cavaliere inesistente? I personaggi di Calvino sono figurine geometriche, scomposte in diverse facce ciascuna delle quali si presta però ad un'evoluzione.

Agilulfo (L'esistenza come pura astrazione): È un'armatura vuota, un cavaliere perfetto perché mancato, non umano, che si muove e agisce solo attraverso la forza di volontà, il senso del dovere e il rispetto burocratico delle regole. Agilulfo non esiste, ma sa di esistere. Rappresenta la pura ragione priva di corpo e di passioni, lo strumento che eleva l'uomo a "dominatore" della realtà, ma che in Agilulfo, privo di un corpo, diventa solo strumento di catalogazione degli elementi della realtà ( ad esempio fa tutti i conteggi necessari al campo, o ordina le pigne del campo in forme di triangolo e quadrato). Il suo essere estraneo a bassi istinti di prevaricazione lo fanno amare alla follia dalla guerriera Bradamante che, tuttavia, espia la colpa di aver amato un fantasma privo di cuore ed emozioni. smetterà di esistere quando finirà la sua funzione nell'esercito di Carlo Magno. Figura dell'uomo burocrate o dell'operaio del sistema fordista, è solo un pezzo di un mondo con ingranaggi che vive come unica ragione di vita ma come pezzo  senz'anima di una catena di montaggio.

Gurdulù (La carne senza coscienza): Al polo opposto di Agilulfo troviamo il suo scudiero. Gurdulù esiste, è pura corporeità, priva di coscienza. Si immedesima con ciò che vede al punto da perdere la rappresentazione mentale di sè come essere umano, se vede una zuppa diventa zuppa, se vede le papere nuota come loro. È puro istinto animale senza anima.

Bradamante (La nevrosi del desiderio):  Narratrice dell'opera, donna guerriera innamorata dell'irraggiungibile perfezione astratta di Agilulfo, ma costantemente inseguita dalla prorompente e invadente e vitalità di Rambaldo, finisce per amarlo dopo un periodo di espiazione in convento in cui le è dato il compito di scrivere l'opera che leggiamo.

Rambaldo e Torrismondo (i giovani cavalieri in formazione): Rappresentano le due vie della giovinezza e il loro percorso di ricerca e di costruzione dell'identità. Entrambi sono protagonisti di una enqueste (dal latino inquiere - investigare dentro) di memoria cavalleresca. Rambaldo è un vero cavaliere che  in cerca di se stesso attraverso l'azione, la passione amorosa e la vendetta (la concretezza dell'esperienza). Il  suo furioso inseguire la sua passione d'amore per Bradamante lo porterà a capirla e perderla in un inseguimento infinito che si svela ancora in corso nel finale ma che lo rendono comunque virtuoso in quanto si fa titolare di un sentimento e di un pensiero. Il desiderio e la ricerca di sé sono il motore delle sue azioni e lo porteranno al ricongiungimento con le diverse facce della sua personalità quando indosserà l'armatura che Agilulfo gli ha lasciato in eredità, facendo di sé un tutt'uno di ragione, sentimento, istinto. Torrismondo cerca l'identità attraverso l'astrazione ideologica, la purezza assoluta e l'appartenenza morale (i Cavalieri del Graal). In conclusione del suo percorso di formazione di rivela essere uno dei personaggi più compiuti dell'opera: smarrita la sua identità e il senso del suo vivere nel mondo cerca se stesso attraverso un'inchiesta che è tutta interiore: affronta il suo rapporto con il passato ricostruendo le sue origini familiari, supera o shock del confronto con i suoi padri dell'ordine del Santo Graal, cavalieri che con l'alibi del vuoto e dell'assenza mistica di giudizio si lasciano andare alle azioni più turpi e disumane dicendosi posseduti dallo spirito del mondo, infine, rivendicando il diritto a manifestare la pienezza del proprio essere nel mondo facendosi titolare di idee ed emozioni e ribadendo il valore dell'empatia nelle relazioni, sposa Sofronia, la donna che ama, dopo aver appreso che non è né sua madre né sua sorella e concede la democrazia al nascente Comune di Curvaldia su cui, per diritto regio, aveva potestà di conte. 

Come non riconoscere in Torrismondo l'alter ego di Calvino che, deluso dalla politica sposa la letteratura (qui Sofronia) e la democrazia? 

E voi quale personaggio del Cavaliere di Calvino amate o in quale vi riconoscete?

Cambiare l'acqua ai fiori

Valerie Perrin

~ Cambiare l'acqua ai fiori ~

Ed. e/o (2018)

Se non avete letto ancora nulla di #valerieperrin dovreste al più presto rimediare, con un avvertimento: i suoi romanzi danno dipendenza, quindi preparatevi a non distaccarvene più.

#cambiarelacquaaifiori #edizionieo - vincitore di numerosi riconoscimenti dal 2018 ad oggi, è uno di questi. Non mi capitava da quando ero bambina di rileggere un libro 3 volte di fila (mi è successo a 9 anni con la "Storia infinita" di Michel Ende, dono di un'amica, e appunto libro infinito come nel titolo); non mi capitava al punto di dovermi forzare a lasciarlo per un nuovo romanzo della Perrin, "Tre", costringendomi a non rileggerlo la quarta volta.

L'argomento non è dei più accattivanti, a prima vista. 

Ricordo il tam tam sui social e ricordo come non riuscissi a capire come potesse smuovere la fantasia e la sensibilità di tanti lettori, molti dei quali abituati a stare sul pezzo, non certo reduci dalla lettura del primo romanzo della loro vita. 

Poi l'ho letto e ho capito.

Violette, la protagonista che ha l'iniziale in comune con l'autrice, che è scrittrice, fotografa, giornalista, Violette Trenet, orfana scampata alla morte con il cognome (datole) del romantico cantautore francese, è la guardiana di un cimitero. Una donna di 40 anni in rinascita che, dopo essere stata vessata dalla vita, ha scelto questo singolare lavoro per dare una svolta ai suoi giorni e fare pace con il proprio passato. 

Il tema centrale è l'elaborazione di uno dei peggiori lutti che una persona possa vivere: la perdita della propria figlia. Ma il leit motiv della storia è un altro: il miracolo della rinascita, dove la vita riappare. Qui dove un maestro spirituale insegna a Violette la cura di un piccolo orto alle spalle della sua casa di guardiana. 

Uno spazio zen di vita e dedizione quotidiana circondato da luoghi di morte. Se il fiore o i pomodori nascono nella terra della quiete eterna, grazie ad una donna, il cui destino e la cui stessa vita diventano metafora di tutto il divenire della storia, la vita si mostra come serie infinita di cicli di nascita e morte, di inverni di gelo che, sotto la coltre della neve, preparano il ritorno dei fiori e dei frutti della terra.

A voi: una buona lettura.

 

Roberto Cominati in concert

 

Io: "Maestro, grazie per quest'ora di felicità" (1h e mezza ndr)
Cominati: "Ehhhh! Addirittura!"
(E ho l'autografo! )
In poche parole, l'eleganza e il senso profondo di un concerto che non si può dimenticare, il recital del pianista Roberto Cominati che ha aperto la Rassegna "Notturni" - "Le voci di sopra" nel cortile della Certosa di San Martino.
Un Bach  riletto nelle trascrizioni pianistiche moderne che è più vero del vero nel trionfo di tocco e polifonia persino nella Sarabanda per la sola mano sinistra o nei vortici della ciaccona. Mentre si ascolta l'intreccio di voci cesellato in ogni dettaglio si alza lo sguardo verso le volte del cielo e le luci della certosa all'imbrunire e si ha la percezione di ascoltare la voce di Dio ma anche la storia dell'uomo Bach che attraversa ogni tempo. Cristallino e perfetto Debussy, pirotecnico Stravinsky la cui musica disegna il tempo e nel finale ne scandisce discretamente i rintocchi. Bis con Brahms, una danza ungherese eseguita a 2 mani invece che a 4, ma il pubblico ne ha sentite 8 e Gershwin, "The man I love"
A fine concerto è possibile visitare la certosa di notte.
#robertocominati

MEDEA ovvero il lato oscuro della passione

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"Tutto tace in me, fuorchè il dolor"

Medea 

Opera in 3 atti

Musica di Luigi Cherubini

Allestimento del Teatro San Carlo

Stagione 2025/26

Una Medea moderna e contemporanea quella che va in scena al Teatro San Carlo come spettacolo di apertura di stagione con la regia di Mario Martone che dichiara di essersi ispirato alle ultime sequenze di "Melancholia" (2011) di Lans Von Trier,  un film che è racconto visionario che traduce in chiave cosmica un disagio psichico attraverso la rappresentazione della preannunciata collisione di un pianeta su un altro e la distruzione di ogni rifugio illusorio costruito dai protagonisti come fittizia difesa dal crollo definitivo. Nelle idee che hanno ispirato la regia si intravede anche un omaggio al mondo dell'operetta, pensando ai celebri allestimenti anni '70,'80 e '90 della compagnia di Sandro Massimini, dove i cantanti sfondavano la quarta parete muovendosi intorno e su e giù dal palco, fondendosi con la platea: i momenti festosi del matrimonio di Glauce e Giasone il traditore sono una coreografia di danze brindisi e pacchi regalo donati in mezzo al pubblico mentre il direttore del coro scende in platea a dirigere sui quattro lati, con effetti spaziali del suono, i coristi. Tornando alla fonte di ispirazione drammatica, il film di Lans Von Trier, è la storia di un mondo che collassa su un altro mondo la cornice cosmica della scenografia che inquadra la storia di Medea portata in scena da un cast d'eccezione su cui primeggia la protagonista,Sondra Radvanovsky, premiata da infiniti applausi, che sembra fare sua personalizzandola, l'eredità di Maria Callas che rese celebre questo ruolo. Una vocalità piena, che rivela una grandissima padronanza espressiva e timbrica, conquista la scena e la domina, degnamente spalleggiata dagli altri cantanti del cast, in primis Anita Rachvelinshvili, Néris e Giorgi Manoshvili, Creonte. La sua Medea è teatro, oltre che canto, ed è solo alle movenze sceniche drammatiche che è affidato uno dei momenti più difficili dell'opera ovvero la scena in cui la sua pazzia prende piede ed esplode fino a stravolgerne la figura stessa. Medea si contorce, si strappa le vesti e non ci riesce, progetta un omicidio di massa, e soprattutto, la morte dei suoi figli, per punire il tradimento del suo sposo. Qui tutto è delirio, tutto è riso che nasconde un intento folle. Meno chiara, nella sua performance, e in quella di quasi tutti, è la dizione del testo per cui i sottotitoli diventano indispensabili, e il suo ricorso ad effetti sonori non convenzionali, come risate, sospiri, quasi singhiozzi. Una Medea a tratti verista che sembra uscire dallo stile neoclassico dell'opera di Cherubini, stile fin troppo seguito, invece, dalla direzione orchestrale di Riccardo Frizza, che guida l'orchestra nello scolpire nitidi temi melodici, di cui l'opera è piena, e movenze ritmiche fin troppo cadenzate, un'interpretazione fedele allo stile ma che risulta priva di tensioni interne, priva di climax emotivi ed espressivi. Per questa ragione lo spettatore assiste ad una messa in scena animata da un intento che dà un effetto quasi cinematografico e non più operistico: da un lato la disperazione di Medea che vibra in ogni suono, dall'altro una musica festante e cantante una serenità sublime ed eterea, che non è estranea ma prende le distanze dalla temperatura espressiva della performance vocale di Medea in scena, secondo un effetto di contrappunto linguistico molto usato nel cinema, dove la musica contraddice almeno in parte il contenuto delle immagini, e apre dubbi sul vero significato di quello cui si assiste. I due linguaggi tornano a fondersi quando Medea perde momentaneamente la parola e lascia all'orchestra il compito di cantare il suo dolore. Dolore che produce le ombre della mente, quindi la follia dell'omicidio e del matricidio, tema terribilmente attuale. Da lì in avanti anche la direzione d'orchestra adotta il registro drammatico, con effetti maggiormente coinvolgenti. A dare un ulteriore tocco di modernità, i costumi in stile Ascot che richiamano il mondo attuale della corte inglese con uomini in cravatta e cilindro o decorazioni militari, e donne in tailleur colorati o abiti in seta lunghi  fin sotto il ginocchio con cappellini eleganti. Un allestimento da non perdere.

 

"Un ballo in maschera" sold out

 "Un ballo in maschera" di Verdi al San Carlo, un sold out annunciato per uno spettacolo che , a mio parere, è uno degli allestimenti più belli degli ultimi 10 anni per bellezza e ricchezza espressiva delle voci (e io ho seguito il secondo cast), duttilità dell'orchestra guidata  splendidamente dal suo direttore, potere evocativo e/o descrittivo delle scene e dei costumi tra tradizione e modernità con le luci oblique che davano effetti 3d e significati altri. (Che bello non vedere fate del bosco vestite in costume per una gara in piscina o eleganti abiti anni 80 da telenovelas per un dramma romantico!)

Tra tutte: le scene nell'antro della Sibilla con la danza sul pentacolo, in bilico tra magia bianca e nera o la scena nel cimitero dove ombre affollavano la scena e la mente dei protagonisti. L'opera inanella una serie di arie tutte cantabili e celebri, rese magnificamente da voci padrone della scena e dalle mille risorse espressive. Il tenore, il soprano, gli innamorati,  il baritono antagonista e l'indovina contralto erano le punte di una stella perfetta, in un meccanismo scenico semplice ma efficace fedele alla parola teatrale di Verdi. La musica ora scintillante, ora scherzosa, ora accorata, ora drammatica non seguiva semplicemente umori teatrali della scena ma li dominava.

La storia è nota: un conte ha intorno la sua corte, ama riamato di un amore impossibile la moglie del suo segretario fedelissimo, arriva quindi la profezia della strega che gli rivela il suo triste destino, infine il ballo in maschera che diventa luogo di un omicidio e il disvelamento finale del vero. L'innocenza, postuma, viene riconosciuta. Postuma, appunto, a omicidio compiuto. Un poco troppo tardi.

Incontro con il pianista Hamelin

 

 

Ci sono concerti unici nel loro happening e che lasciano il segno nelle pagine dei ricordi della vita musicale cittadina e universale. Il concerto di ieri è tra questi. Nella prima parte, un'esecuzione senza pari da parte dell'orchestra del San Carlo, diretta da Ettinger, del Poema sinfonico "Notte trasfigurata" di Schoenberg , in cui si è sentita palpitare la vita nel ritmo nella musica e accadere percorsi armonico-melodici capaci di avvolgere e carpire l'anima di chi ascoltava. Nella seconda parte è arrivato Hamelin, star del pianoforte, che ha eseguito il secondo concerto di Brahms con i suoi disegni eleganti e le sue ombre romantiche, con una leggerezza volatile e classica che ha esplorato tutte le dimensioni del suono e soprattutto nel confine tra pp e silenzio, portando alla luce le sottili sfumature e tutta la bellezza dell'uomo e della vita cui la musica può dare luce. 4 generosi bis per il pubblico entusiasta. L'autografo era una ricerca d'obbligo :) un gentile, disponibile, elegante maestro di altra epoca firmava autografi e sorrideva ad appassionati e studenti in fila per salutarlo dal vivo. Nessun segno di fastidio, dopo un faticoso concerto, nessuna alterigia. La musica che si suona riflette ciò che si ha nell'anima.

"Maestro, thank you very much for all, I'm so grateful to you"

"Margherita, so I'm I, because you have been here to listen my music"

Wow

Wagner e Schumann di Armiliato

È una finestra sul Romanticismo tedesco dalla veduta ricca di pathos, variegata e fuggevole quanto sa essere la musica che mentre costruisce cattedrali di suoni già si spegne e chiude il suo sipario, il concerto dell'orchestra del San Carlo che ha visto sul podio Marco Armiliato e Maria Agresta come guest star. È stato un tempo musicale così intenso da volare via fin dal suo esordio, con un Brahms in versione quasi di corte, con una Serenata un po' alla maniera di Mozart sotto cui correva di tanto in tanto il filo della temperatura timbrica romantica, evidente soprattutto nell'Adagio. Un po' di maniera era anche l'esecuzione di cui il direttore ha cesellato ogni dettaglio ma nella quale, in alcuni momenti, mancava forse un po' di brio o, al contrario, di pathos. Di segno decisamente opposto la seconda parte del concerto, con apertura e chiusura, Preludio e aria finale, di una delle opere che ha aperto la musica romantica ai progressi espressivi e armonici del Novecento, il Tristano e Isotta. Sublime Maria Agresta nelle vesti di Isotta che canta l'amore sul corpo del suo amato Tristano, momento culminante della serata strategicamente posto al centro del concerto, ma è soprattutto il Preludio, in cui l'orchestra canta con un fraseggio morbido, avvolgente, intenso, pieno di pathos e sublime dolore nell'anticipare il tema dell'amore puro e assoluto che trova compimento nella morte, che l'orchestra del San Carlo, con vette dell'arte degne di un palcoscenico antico e di prestigio quale è il San Carlo, sotto la direzione sicura e intensa di Armiliato, disegna percorsi sonori, espressivi che toccano in profondità le corde dell'anima. Il Preludio, oltretutto, è anche uno dei 3 brani sinfonici più cari per la sottoscritta, e sentirlo eseguire a tali altezze mi ha catturato l'anima. Avvincente, intensa, profonda è l'avventura espressiva disegnata da Armiliato e dall'orchestra con la seconda sinfonia di Schumann. Tra Florestano e Eusebio non possiamo scegliere, ma solo partecipare ai moti altalenanti e contrastanti tra le stanze di un'anima

 

Viviani, l'uomo e il suo teatro

TEATRO CORTESE, COLLI AMINEI

 Viviani, l'uomo, il suo teatro. Massimo Masiello scrive, interpreta a grandi livelli sia canori che teatrali, divora e restituisce emozioni autentiche e veraci del teatro di Raffaele Viviani, l'ultimo scugnizzo, ripercorrendo fasi ed eventi della vita e dell'arte dello scrittore, del capocomico, attore, cantante, poeta, uomo che ha segnato un punto cruciale negli sviluppi del teatro napoletano ed europeo. I canti di scena, poesie e momenti di teatro che restituiscono la verità del dettato dell'autore raccontano il dolore profondo o la sottile sofferenza che sono il retrogusto amaro dei suoi personaggi del vicolo, della piazza o del porto di Napoli cui restituisce dignità attraverso il canto popolare spiegato, la poesia di strada, la filosofia dell'uomo vissuto ai margini della miseria o della legalità, della disperazione o della leggerezza spensierata ma che trova sempre un solo diktat rispetto agli eventi di ieri e di oggi: lottare per sopravvivere e andare avanti. Non c'è spazio per il vuoto, la rassegnazione, l'indifferenza. Finché c'è vita, questi scugnizzi invecchiati dai pesi della vita si sbracciano e ricominciano daccapo, rialzano la testa per andare avanti. È così il padre che trasforma la gioia in una maschera di pianto dopo aver appreso della morte del primo figlio appena nato, tra lacrime e silenzi inizia a cantare la rumba degli scugnizzi, il cui ritmo piano piano prende piede e lo risolleva verso la vita, perché la vita deve andare avanti, sempre e comunque, oltre la morte, come legge di natura detta. L'Amore cantato è leggero, all'intrasatto, senza connotati e carta d'identità, o è dolore per l'abbandono, o è felicità di un connubio desiderato e finalmente realizzato, o è amaro cinismo per un tradimento. L'Amore è però soprattutto amore per il teatro e per la parola, capace di catturare dettagli minimi e pittorici della realtà, usarli per costruire metafore che portino in scena lo stato d'animo del personaggio creando la magia della comunicazione del teatro. L'Amore è Napoli, un amore grande e indescrivibile che ha accompagnato Viviani fino alla morte. Omaggio finale ad Aznavour con Lei, canto di amore e di libertà, a ricordarci che l'unico modo di essere liberi è, appunto, amare.

Pensiero liquido

Le onde del mare raccontano poco degli abissi. Ma tutti vivono di queste belle e mutevoli increspature d'acqua osservandone i giochi di luce, l'inseguirsi di una dietro l'altra, il loro giocare con i gabbiani, magari scattando una foto e andando via, sazi di aver riempito gli occhi di qualcosa di cui non si è compreso nulla. L'infinito del mare, l'infinito dentro di me, il mistero della natura, la manifestazione di un principio divino nel mondo. "Tu giudichi il mare da una stupida onda" recita una canzone. Perchè oggi è tutta una fuga senza sapore, un attimo che si volatilizza senza lasciare scia, un'età da pensiero liquido, sentimento liquido, spessore in frantumi.La profondità è per pochi, rari, perduti, magari seppelliti dietro una catasta di libri per nascondersi da un mondo incomprensibile in cui comunque non si può rinunciare a danzare, muoversi per non essere sconfitti, per tentare un cambiamento dall'interno, per non rinunciare allo scambio e ad una parte di se stessi.Sono con voi ma non sono con voi. Sono altro. Sono inattingibile. Sono e sarò sempre come quegli scrittori con doppia nazionalità, con un'identità al margine, emigranti rispetto sempre a qualcosa, senza patria anche a casa propria.

La foto finale mia, ritrae uno dei famosi tramonti di Baia Domizia, meta che fa storcere il naso ai radical chic, ma per me seconda casa e luogo amatissimo. 

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Non mettermi accanto a chi si lamenta senza mai alzare lo sguardo, a chi non sa dire grazie, a chi non sa accorgersi più di un tramonto. Chiudo gli occhi, mi scosto un passo. Sono altro. Sono altrove. Alda Merini

ROMEO E GIULIETTA

 Condivido con voi il ricordo di un allestimento che mi ha lasciato molto dentro e che si distingue per la sua eleganza ed espressività, il Romeo e Giulietta di Gounod, l'ultima opera andata in scena al San Carlo. Il soprano Elsa Dreisig che ha sostituito la Sierra per l'ultimo allestimento ha superato ogni aspettativa, tanto che il direttore d'orchestra stesso ha fermato la musica per farle un lungo applauso. Una voce delicata ma "appuntita" nel definire ogni nota del ricamo così tipico della vocalità del teatro francese ha dominato la scena senza mai superare i confini drammatici del ruolo. Cast di alto livello in ogni suo componente, tutti armonicamente uniti nel portare in scena la storia e voci espressivamente cariche di significanti scenici per i protagonisti. Cori imponenti e drammatici cantavano la fine di Verona e la tragedia della faida tra le due famiglie ma tutto il resto dell'opera, con un'orchestra puntuale negli interventi teatrali perché ben diretta, era un canto continuo e delicatamente espressivo come delicato e fragile è l'amore adolescenziale che conduce Romeo e Giulietta alla morte. Gounod, compositore francese e autore della celebre Ave Maria ispirata al preludio di Bach, non poteva trovare storia per esprimere meglio del suo sentire e stile musicale. La scenografia nuda ma efficace trasforma una torre in un arredo da sala da ballo e poi in una sala segreta dove Romeo e Giulietta vivono il proprio amore in una dimensione senza tempo e spazio, proprio come la scenografia. Ricchi e storicamente definiti, invece i costumi. Lunghi applausi e un teatro pieno, anche di turisti, hanno salutato l'ultima replica dello spettacolo.

Igor Levit al San Carlo

 Tu metti un pianoforte, 88 tasti, uno dei palcoscenici più antichi e suggestivi al mondo, un giovane e poliedrico artista, Igor Levit, divenuto universalmente noto per le sue dirette pianistiche, stile house concert, durante il Covid, il silenzio (esclusione fatta per qualche colpo di tosse) unanime del San Carlo, pieno di estimatori, appassionati, musicisti, maestri e studenti, un silenzio ormai perduto in ogni angolo di questa città e forse simile alla temperatura emotiva di qualche tranquilla sera di campagna animata nel buio solo dalla danza delle lucciole, qui le immobili lanterne del teatro...e il gioco è fatto. È stato un San Valentino tutto dedicato all'arte del piano, quella pura che irretisce l'animo e lo cattura in un'avventura sonora che, come un romanzo senza parole, riesce a dare commento sonoro ed emotivo alle pagine della nostra vita...

Inappuntabile e puntuale, Levit interpreta la partitura con devota precisione, ma al rigore dell'interprete unisce l'entusiasmo fanciullesco del gioco ben riuscito. La partecipazione all'esecuzione è totale, e se in Brahms tocca momenti di profondità intimità vissuta in introversa comunicazione ad un pubblico sospeso nel cogliere ogni minima sfumatura del suono e dell'anima, nella mirabile performance dell'Eroica, Levit piange e ride insieme ai discorsi di Beethoven e dirige se stesso appena una delle due mani è libera dalla tastiera. Un'esecuzione che rimarrà negli annali del San Carlo, quella della versione "ridotta" per pianoforte della sinfonia Eroica di Beethoven, che ha mostrato come i complessi intrecci sinfonici che sono l'anima della scrittura beethoveniana (impossibile leggere persino le sonate senza tenere presente un riferimento musicale sulle grandi famiglie dell'orchestra) possono divenire una cattedrale di suoni che non sono solo pianistici ma sinfonici. Il pianoforte diventa un super strumento, superando se stesso oltre i limiti della fisica. A fare la differenza, il tocco dell'uomo e del pianista che dà spessore umano e musicale alle frasi e ai contrappunto beethoveniani in un mondo sonoro 3d dove i piani sonori si intersecano, alternano dialogano, grazie alle magie di 10 dita e un tocco che sa profondare i tasti o semplicemente sfiorarli. La ricerca su timbro e fraseggio punta alla perfezione e quasi la raggiunge. Standing ovation finale di platea e palchi per questa esecuzione di un interprete che, senza alcun divismo, si inchina mille volte a rendere grazie al pubblico, come un umile lavoratore che ha prestato il suo lavoro, al servizio della dea musica. Delizioso il bis, che suona come un garbato e intimo commiato: l'amatissimo secondo tempo della Sonata Patetica, ulteriore omaggio a Beethoven e a noi del pubblico, innamorati di una musica che ci fa viaggiare oltre i confini della fisica, del tempo, e dall'ordinario.

Margherita Gargano

Rusalka: fumetto cringe o opera fiabesca?

 

Cronache informali dal San Carlo. Giovedì 5 ho seguito la messa in scena dell'opera di apertura stagione: Rusalka di Dvorǰak, opera post wagneriana cantata in ceco ma con sottotitoli in inglese e italiano.

Un'opera raffinata, in cui si sente molto dello spirito liederistico di Brahms, un'opera fin troppo difficile per i non addetti, con il suo melodismo vocale e orchestrale continuo, figlio di una drammaturgia così diversa da quella dell'opera italiana, con proprie logiche interne. Tutto valorizzato splendidamente da orchestra e cantanti dalla vocalità morbida ma intensa che, con la loro bravura, non hanno però salvato un allestimento infelice. 

L'opera tedesca, figlia del singspiel e a sua volta del Lied e della poesia tedesca introspettiva e profonda fino alle lacrime, è già così lontana, per tradizioni culturali, dal modo italiano di percepire il teatro come parola azione da avere bisogno di qualcosa che aiuti e faciliti la percezione degli eventi scenici, non una messa in scena che ne avvilisca e banalizzi i contenuti.

E veniamo al dunque: la favola della ninfa delle acque che si innamora del principe umano e baratta la sua voce per avere una vita da umana, a metà strada tra la Sirenetta di Andersen e la favola ceca Undine, con un finale noir, la morte per accoltellamento del principe e la maledizione eterna della ninfa finisce su uno schermo sipario con un fumetto ultrapiatto. 

Il fiume diventa una piscina, le ninfe delle nuotatrici, il padre delle ninfe un allenatore in tuta da jogging e scarpette. La ninfa protagonista sembra una scappata di casa, sempre in tuta o accappatoio. La strega ha un fare da maitresse e fuma in scena tra una frase cantata e l'altra. 

Questa è la migliore visuale che si possa avere dei cantanti, quando sono inquadrati tutti dentro la buca rettangolare aperta nel sipario che ce li mostra come figure su uno schermo del cellulare mentre su tutto il sipario viene proiettato un fumetto di una bruttezza scandalosa. 

La migliore visuale dicevo. Perché in gran parte dello spettacolo, in questa buca del sipario noi dei piani alti abbiamo potuto vedere solo i piedi dei cantanti che evidentemente, nelle intenzioni del regista, devono avere un grande potenziale drammaturgico...

Il fumetto è letteralmente devastante. Colori bluastri che definiscono citofoni, piscine e trampolini, passeggiate in città di questa povera anima che anche nel fumetto ha perso la bellezza della ninfa e va in giro in cerca del suo crudele principe come una scappata di casa, sciatta fino all'inverosimile e depressa. 

Lui va in giro con gli amici in auto in cerca di avventure e la trova, o meglio, la investe. Questa la traduzione visiva del verso in cui lui accenna alle nebbie e lati bui della sua anima, evidente traduzione poetica della consapevole incapacità di amare. Definire questa traduzione scenografica banale è poco, il poeta autore dei versi potrebbe rivoltarsi nella tomba.

Alla fine non si più prende sul serio questo allestimento. Quando arriva l'urlo finale ci si chiede: ma è finita male? È un dramma? Perché le eterne passeggiate per la città bluastra della scappata di casa fumetto e i piedi scalpitanti della cantante vista nel buco del sipario sembrano suggerire un eterno ritorno di un dramma che gira su stesso ma non si risolve mai. Unici momenti di drammaturgia riuscita sono quelli in cui i cantanti e l'orchestra conquistano autonomia rispetto alle immagini orripilanti e parlano al cuore del pubblico.

Altre note al margine: le signore attempate distinte della platea che si chiedono: "ma tu resti fino alla fine?" " Ma sai io sono in comitiva...devo..." (e io penso con invidia: beate loro a 80 anni hanno la comitiva io ce l' avevo la a 16 anni)

Il mio vicino di loggione che mi ossessionava: non potevo guardare il telefono (conosco l'opera, ascoltavo la musica ma mi annoiavo con tutte quelle piscine cartoon) che dava i pugni sul parapetto e mi costringeva a nascondermi dietro la colonna per rispondere a un messaggio, quando poi dal palco arrivavano luci a neon che sembravano quelle delle sale operatorie degli alieni che fanno esperimenti sugli umani rapiti dalla terra. L'altro vicino tra un atto e l'altro si stiracchiava e dormiva con le mani dietro la nuca come per riprendersi dall'atto appena visto.Una coppia di giganti che sembravano usciti dal signore degli anelli mi spinge gentilmente in ascensore e quasi mi schiaccia senza neanche accorgersi che sono un essere vivente. Un giovane turista americano elegantemente vestito come un dandy e rosso di capelli mi ferma: "Ehi madame, ehi madame!" E mi mostra la cover del cellulare. C'è un oceano a separarci ma ha la mia stessa cover. Un gattino che si specchia e si vede come una tigre. Solo che la sua è usurata, la mia è nuova perché l'ho ricomprata. "It's the same! The same!" E scappo via. Ho incontrato l'anima gemella ma ci siamo persi di vista. Alla prossima Rusalka. Goodbye

ALDA MERINI

 

Quelle come me

Quelle come me regalano sogni, anche a costo di rimanerne prive.

Quelle come me donano l’anima,

perché un’anima da sola è come una goccia d’acqua nel deserto.

Quelle come me tendono la mano ed aiutano a rialzarsi,

pur correndo il rischio di cadere a loro volta.

Quelle come me guardano avanti,

anche se il cuore rimane sempre qualche passo indietro.

Quelle come me cercano un senso all’esistere e, quando lo trovano,

tentano d’insegnarlo a chi sta solo sopravvivendo.

Quelle come me quando amano, amano per sempre.

e quando smettono d’amare è solo perché

piccoli frammenti di essere giacciono inermi nelle mani della vita.

Quelle come me inseguono un sogno

quello di essere amate per ciò che sono

e non per ciò che si vorrebbe fossero.

Quelle come me girano il mondo alla ricerca di quei valori che, ormai,

sono caduti nel dimenticatoio dell’anima.

Quelle come me vorrebbero cambiare,

ma il farlo comporterebbe nascere di nuovo.

Quelle come me urlano in silenzio,

perché la loro voce non si confonda con le lacrime.

Quelle come me sono quelle cui tu riesci sempre a spezzare il cuore,

perché sai che ti lasceranno andare, senza chiederti nulla.

Quelle come me amano troppo, pur sapendo che, in cambio,

non riceveranno altro che briciole.

Quelle come me si cibano di quel poco e su di esso,

purtroppo, fondano la loro esistenza.

Quelle come me passano inosservate,

ma sono le uniche che ti ameranno davvero.

Quelle come me sono quelle che, nell’autunno della tua vita,

rimpiangerai per tutto ciò che avrebbero potuto darti

e che tu non hai voluto…

Alda Merini

Lucciole

 

Oggi c'è la libertà di fare tutto ma si è perso il valore di ogni cosa.Abbiamo dimenticato che basta una personalità a riempire una stanza, delle parole efficaci a rendere una conversazione piena di significato,un sentimento autentico a dare una tensione verso l'utopia.Abbiamo bisogno della folla, di luci, suoni, video,autotune, cose da fare, corse in auto, del frastuono quotidiano,serale,notturno. Corriamo perdendo noi stessi, dimenticando la magia. Come diceva Pasolini,sono scomparse le lucciole. 

Margherita Gargano

#pensierieparole

#pierpaolopasolini

#pasolini

Dove vai

Dove vai quando poi resti sola
il ricordo come sai non consola
Quando lei se ne andò per esempio
Trasformai la mia casa in tempio
E da allora solo oggi non farnetico più
a guarirmi chi fu
ho paura a dirti che sei tu
Ora noi siamo già più vicini
Io vorrei non vorrei ma se vuoi
Come può uno scoglio
arginare il mare
anche se non voglio
torno già a volare
Le distese azzurre
e le verdi terre
Le discese ardite
e le risalite
su nel cielo aperto
e poi giù il deserto
e poi ancora in alto
con un grande salto
Dove vai quando poi resti sola
senza ali tu lo sai non si vola
Io quel dì mi trovai per esempio
quasi sperso in quel letto così ampio
Stalattiti sul soffitto i miei giorni con lei
io la morte abbracciai
ho paura a dirti che per te
mi svegliai
Oramai fra di noi solo un passo
Io vorrei non vorrei ma se vuoi
Come può uno scoglio
arginare il mare
anche se non voglio
torno già a volare
Le distese azzurre
e le verdi terre
le discese ardite
e le risalite
su nel cielo aperto
e poi giù il deserto
e poi ancora in alto
con un grande salto

Lucio Battisti, interprete della mia anima